Enemy Inside’s Venom aims to be a dark, heavy, and genre-blending experience — part djent, part industrial, part alt-metal. At its best, it lands on intriguing textures and bold vocal moments. But more often than not, it feels weighed down by formulaic songwriting and uneven execution, especially in the early tracks. Fortunately, the band finds more confidence and cohesion as the album progresses, suggesting they’re still evolving into their full potential.

From the outset, Venom sets the tone with grimey, industrial-tinged riffs and whispered vocals that build into a combination of screams and clean singing. It flirts with a mechanical heaviness reminiscent of djent and early 2000s industrial metal. The bass has a strong, thick presence throughout the album, giving some much-needed weight when the guitars pull back. But there’s a recurring issue: the drums feel too low in the mix and lack the dynamics to elevate the songs. They rarely do more than keep time, which becomes especially noticeable given the simplicity of most song structures.

Vocally, there’s a lot of ground covered — from whispery verses to aggressive screams and clean choruses — but the delivery varies in effectiveness. On tracks like “Sayonara,” attempts at rapped vocals and over-the-top screams feel more like caricature than catharsis, landing somewhere between Die Antwoord’s Yolandi and Fred Durst, without the bite or swagger. On other songs, like “What We Used to Be” and “Unburn,” the vocals sound more emotionally grounded and powerful. These moments, where she taps into real expression rather than performative aggression, are some of the record’s strongest. Her range shows flashes of real skill — occasionally reaching the intensity of vocalists like Courtney LaPlante — especially during the more climactic screams on the back half of the album.

Instrumentally, the album follows a fairly rigid formula: heavy riffs or synth intros give way to stripped-down verses for vocal focus, before swelling into big, often predictable choruses. While this structure can work in small doses, it becomes repetitive over ten tracks. Songs like “Should Have Known Better” and “Dirt on My Mind” start with promising energy but deflate quickly when the riffs are cut short for vocal passages, a pattern that undermines their potential. Even when a good hook appears, it often isn’t given the room to grow or hit hard.

That said, there are signs of life and experimentation. “Fuck That Party,” featuring Zak Tell of Clawfinger, adds 8-bit synths and a chaotic energy that, while not always successful, at least breaks the mold. The band sounds looser here, even playful — a quality sorely missing from the more rigid earlier tracks. Similarly, “I’d Rather Be Dead” introduces sci-fi synths and ethereal tones that give it an otherworldly atmosphere, with more fluid guitar work and dynamic drumming. These moments show what Enemy Inside is capable of when they step outside their comfort zone.

By the time we reach the back half, the band sounds more locked in. Songs like “Don’t Call Me an Angel” and “Unburn” feature fuller riffs, more expressive vocals, and better instrumental layering. The dynamics improve, the choruses feel more earned, and the overall performances carry more weight. “Dirt on My Mind” and “Let Me Go” try to lean into emotional territory, though the former fares better — with a catchy chorus and well-integrated guest feature from Mirza of Siamese — while the latter ends the album on a softer, but blander note.

Venom is a record that struggles to fully realize its vision, hindered by repetition, uneven vocal choices, and underutilized musicianship. But within its formula, there are flashes of growth — especially when the band embraces risk, leans into emotional authenticity, and lets the instruments breathe. Enemy Inside hasn’t quite found their voice, but they’re getting closer. The fire is there — now it just needs direction.

Venom“ von Enemy Inside will ein dunkles, schweres und genreübergreifendes Hörerlebnis bieten – irgendwo zwischen Djent, Industrial und Alternative Metal. In seinen besten Momenten überzeugt das Album mit interessanten Klangtexturen und mutigen gesanglichen Höhepunkten. Doch allzu oft wirkt es durch formelhaftes Songwriting und unausgeglichene Umsetzung belastet – besonders in den frühen Tracks. Glücklicherweise findet die Band im Laufe des Albums mehr Selbstvertrauen und Kohärenz, was zeigt, dass sie sich noch auf dem Weg zu ihrem vollen Potenzial befindet.

Schon der Opener setzt den Ton: dreckige, von Industrial geprägte Riffs und geflüsterte Vocals bauen sich zu einer Mischung aus Screams und klarem Gesang auf. Die Musik flirtet mit der maschinellen Schwere des Djent und erinnert an Industrial Metal der frühen 2000er. Der Bass ist durchweg kraftvoll und satt, was dem Sound Tiefe verleiht – besonders dann, wenn sich die Gitarren zurücknehmen. Ein wiederkehrendes Problem ist jedoch das Schlagzeug: zu leise im Mix und zu wenig dynamisch, um die Songs wirklich zu tragen. Es bleibt meist auf reine Taktarbeit beschränkt – was angesichts der oft simplen Songstrukturen besonders auffällt.

Gesanglich wird viel abgedeckt – von flüsternden Strophen über aggressive Screams bis hin zu melodischen Refrains – doch die Wirkung schwankt. In Tracks wie „Sayonara“ wirken die Versuche, gerappte Vocals und überzeichnete Schreie einzubauen, eher karikaturenhaft als kathartisch – irgendwo zwischen Yolandi von Die Antwoord und Fred Durst, nur ohne deren Biss oder Attitüde. In Songs wie „What We Used to Be“ oder „Unburn“ hingegen klingen die Vocals emotional geerdeter und kraftvoller. Diese Momente, in denen echte Ausdruckskraft statt bloßer Performance durchscheint, gehören zu den stärksten des Albums. Die stimmliche Bandbreite zeigt stellenweise echtes Können – besonders in den intensiveren Screams gegen Ende des Albums, die an die Energie einer Courtney LaPlante erinnern.

Instrumental folgt das Album meist einer starren Formel: schwere Riffs oder Synth-Intros leiten in reduzierte Strophen über, in denen die Vocals im Vordergrund stehen, bevor große – aber oft vorhersehbare – Refrains einsetzen. Diese Struktur funktioniert in kleinen Dosen, wirkt über zehn Tracks hinweg jedoch ermüdend. Songs wie „Should Have Known Better“ oder „Dirt on My Mind“ beginnen vielversprechend, verlieren aber schnell an Kraft, wenn die Riffs zugunsten der Gesangsparts gekappt werden – ein Muster, das ihr Potenzial untergräbt. Selbst wenn ein guter Hook auftaucht, wird ihm selten genug Raum gegeben, um wirklich zu wirken.

Es gibt aber auch Lichtblicke und Experimente. „Fuck That Party“ mit Zak Tell von Clawfinger bringt 8-Bit-Synths und chaotische Energie ins Spiel. Zwar zündet nicht jeder Moment, aber die Band klingt hier freier, sogar verspielt – ein Element, das den vorherigen Tracks spürbar fehlt. Auch „I’d Rather Be Dead“ bringt frischen Wind: Sci-Fi-Synths und ätherische Klänge verleihen dem Song eine andere Weltlichkeit, während das Gitarrenspiel flüssiger und das Schlagzeug dynamischer wirkt. Diese Songs zeigen, wozu Enemy Inside fähig ist, wenn sie ihre Komfortzone verlassen.

Gegen Ende wirkt die Band deutlich eingespielter. Songs wie „Don’t Call Me an Angel“ und „Unburn“ überzeugen mit volleren Riffs, ausdrucksstärkeren Vocals und besser abgestimmtem Instrumental. Die Dynamik verbessert sich, die Refrains wirken verdienter, und die Songs tragen mehr Gewicht. „Dirt on My Mind“ und „Let Me Go“ versuchen sich an emotionaleren Tönen – wobei ersterer mit einem eingängigen Refrain und einem gelungenen Gastauftritt von Mirza (Siamese) besser abschneidet. „Let Me Go“ hingegen beendet das Album zwar weich, aber auch etwas farblos.

Venom ist ein Album, das mit seiner eigenen Vision ringt – gebremst durch Wiederholungen, unausgeglichene Gesangsentscheidungen und unausgeschöpfte musikalische Möglichkeiten. Doch innerhalb dieser engen Formel blitzen immer wieder Fortschritt und Potenzial auf – besonders dann, wenn die Band Risiken eingeht, echte Emotionen zulässt und ihren Instrumenten mehr Raum gibt. Enemy Inside haben ihre Stimme noch nicht ganz gefunden, aber sie kommen ihr näher. Das Feuer ist da – es braucht nur noch die richtige Richtung.