Flying Daimyo Interview

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1. Introduction and Background

Q1. How would you introduce FLYING DAIMYO to someone discovering the project for the first time? What does the name mean, and how did it all begin?

FLYING DAIMYO is a musician based in Japan. The only member is “と刃,” and I write, compose, record, and edit all the music myself at home.

The name “FLYING DAIMYO” came from combining “FLYING” from the trackmaker FLYING LOTUS and “DAIMYO” from the film Jazz Daimyo. One person yet a crowd, a crowd yet one person. I started with the feeling that this is who I am and this is the music I make. I formed the project on my own at the beginning of 2021. I could have gathered other members, but inside my DAW, I already had a drummer, bassist, and keyboardist who would play exactly the way I wanted, so I didn't need any members. I believe everything is inside the DAW, although, of course, I have to program it all myself.

1. 自己紹介とバックグラウンド

Q1. FLYING DAIMYOを初めて知る人に、どのように紹介しますか？ 名前にはどんな意味があり、どのように始まったのでしょうか？

 FLYING DAIMYOは、日本を拠点に活動する音楽家です。唯一のメンバーは「と刃」で、すべての音楽を自宅で一人で作詞、作曲、録音、編集しています。

「FLYING DAIMYO」という名前は、トラックメーカー「FLYING LOTUS」の「FLYING」と、映画「ジャズ大名」の「DAIMYO」を組み合わせたものです。一人でありながら大勢、大勢でありながら一人。これこそが俺であり、俺が作る音楽なのだという気持ちで始めました。2021年の初めに、自分一人で勝手に結成しました。ほかのメンバーを集めることもできましたが、DAWの中には、自分の望むとおりに演奏してくれるドラマー、ベーシスト、キーボーディストがすでにいたので、メンバーは必要ありませんでした。もちろん、すべて自分でプログラムしなければなりませんが、DAWの中にはこの世のすべてが存在していると信じています。

Q2. What was it like growing up in Yamanashi Prefecture? How did your hometown influence your music and who you are?

I've loved drawing for as long as I can remember, and I spent all my time drawing and playing until my parents made me take up sports. Around middle school, when I quit sports, I no longer had to be outside, so I stayed home and constantly made music using an iPhone app called GarageBand. I've always loved creating things, and by the time I was in high school, I was compiling the songs I'd made into albums and letting all kinds of people listen to them.

Q2. 山梨県で育った経験はどのようなものでしたか？ 故郷はあなたの音楽や人格にどのような影響を与えましたか？

 物心がつく前から絵を描くことが大好きで、親にスポーツを始めさせられるまでは、ずっと絵を描いて遊んでいました。中学生くらいのときにスポーツを辞めると、もう外にいる必要がなくなったので、家でiPhoneのGarageBandというアプリを使い、ひたすら音楽を作っていました。昔から何かを作ることが大好きで、高校生になる頃には、それまで自分で作った曲をアルバムにまとめ、いろいろな人に聴かせていました。

Q3. What drew you to the guitar and harsh noise? Do you approach them differently when creating music?

When I was in high school, my father smashed my guitar, and I could no longer play the instrument I'd loved and used for so long. Although it broke my spirit, I also discovered that I could make sounds without playing a guitar. So I started composing music in GarageBand by collaging everything together: noise coming from an amplifier, radio sounds, the sounds of the drainage ditches around my house, my own voice, everything. That's when I discovered that other people were making this kind of music, and I encountered experimental music and harsh noise through artists like Merzbow and JOHN WIESE.

When I listened to them back then, they didn't feel like “noise!” to me at all. I thought they were the most impulsive music of all. It was shocking how they brought me, someone who wanted to compose music, closer to every possible sound.

In terms of my approach, noise can easily become a weapon within a song, so I unleash it with a “BWAAAH!!” at the exact moment I feel it's needed. I use it at the moment of greatest energy. Musically, I consciously approach them differently, but in terms of energy, I think they're very much the same. I don't believe that going wild is necessarily the correct way to express energy, so my goal is to make everyone feel an electric shock through something as quiet as the sound of breathing. I want to do this by controlling momentary anger and the sensation of an explosion. To be honest, I think sounds as quiet as breathing or rubbing your fingers together can contain more anger than blasting something at full volume.

Q3. ギターとハーシュノイズの何に惹かれたのでしょうか？ 音楽を作るとき、それぞれに異なるアプローチをしていますか？

 高校生のとき、父親にギターを壊されてしまい、長い間愛用していたギターを弾けなくなりました。心が折れると同時に、ギターを弾かなくても音を出せることを発見したんです。そこで、GarageBandを使って、アンプから出るノイズ、ラジオの音、家の周りの排水溝の音、自分の声など、ありとあらゆるものをコラージュして作曲するようになりました。その頃、こうした音楽を作っている人たちがいることを知り、MerzbowやJOHN WIESEといったアーティストを通して、実験音楽やハーシュノイズに出会いました。当時、それらを聴いても、まったく「ノイズだ！」という感覚はありませんでした。むしろ、最も衝動的なエネルギーの音楽だと思ったんです。音楽を作りたいと思っていた自分と、あらゆる音との距離を近づけてくれたことに、大きな衝撃を受けました。

アプローチについて言えば、ノイズは楽曲の中で武器になりやすいので、「ここだ！」と思う瞬間に「ブワーッ！！」と鳴らします。最もエネルギーが高まる瞬間に使います。音楽的というか技術的には異なるアプローチを意識していますが、ダイミョウとノイズは、エネルギーという意味では非常によく似ていると思います。暴れ回ることが必ずしもエネルギーの正しい表現だとは思っていません。だからこそ、瞬間的な怒りや爆発する感覚をコントロールして、呼吸の音量ほどの小さな音で、すべての人を痺れさせることが目標です。正直なところ、爆音よりも、息遣いや指を擦り合わせるほどの小さな音を忍ばせるほうが、より強い怒りを込められるのではないかと思っています。

2. The Album and Its Meaning

Q4. Where did the title “BOKURITSU HECHIMA NO ONGAKU” come from? Does it have a specific meaning or concept, or did you choose it for the sound of the words?

There's a Japanese picture-book artist named Koji Suzuki, and when he came to Yamanashi to give a seminar, he said, “When a loofah dissolves, it becomes bones.” I had absolutely no idea what he meant. The seminar ended just like that, and I went home. But his words kept bothering me and made me feel uncomfortable, so I decided to create my own version of a “loofah.” I chose this title with the image of making music that would dissolve everything down to the bone.

The “○立” comes from a play on “私立” (shiritsu, meaning private school). The “私” (watashi, meaning “I”) becoming “ぼく” (boku, another way of saying “I”) is part of the same idea, and there's also the naming of “ぼくたち” (bokutachi, meaning “we”).

With “撲立,” in contrast to “飛立,” which I released the previous year, I gave “ぼく” the meaning of an inner world 100 years into the future, a great light fired entirely from within myself. I chose “撲” instead of “僕” because, just as I still do now, I had always carried anger inside me, and I wanted the title to feel violent.

Q5. Your lyrics feature everyday objects, space, death, rebirth, and strange situations. When writing lyrics, do you have a clear meaning in mind, or do you let the imagery develop freely?

When I write lyrics, it feels as though my right hand starts moving on its own before my brain does. I write entirely on impulse. But that impulse isn't about taking something away from someone or from the world in front of me. It's an impulse that comes from within myself.

I draw pictures on impulse in the same way, but when drawing, I inevitably have to choose colors as I go. With lyrics, however, I can use the colors I want to express at the greatest possible speed.

Those aren't actual colors, but the imaginary colors of meaning.

So I instantly turn whatever comes into my head into words. However, every single one of my lyrics has a definite meaning.

I don't particularly like the idea of saying, “I'll leave the interpretation up to the listener.” If possible, I want people to feel exactly what I'm thinking, 100% as it is.

I think that's why I create not only the music but also the artwork and videos myself.

But just because I want to communicate my thoughts accurately doesn't mean I simply explain them through pictures or videos. The pictures and videos themselves have to be born as impulses in their own right.

For me, creation is always instantaneous. I feel that the moment everything can be explained, it somehow becomes a “lie.”

Having said “impulse” over and over again, of course, impulse alone doesn't make a finished work.

I also carefully rearrange the words that emerge in an instant and reconstruct them so that everything makes sense. I'm always conscious of how far I can control things through my own instincts and sense of aesthetics without killing that initial impulse.

For me, writing lyrics isn't about thinking of a meaning first and then searching for words. It's about taking the meaning that exists within words born from impulse and shaping it precisely with my own hands.

Someday, I want to make a film. I want to do everything that music can possibly do. I just have an overwhelming amount of energy. I seriously want to do everything.

2. アルバムとその意味

Q4. 『撲立 へちまの音楽』というタイトルはどこから生まれたのでしょうか？ 特定の意味やコンセプトがありますか？ それとも言葉の響きで選んだのでしょうか？

スズキコージという日本の絵本作家がいるのですが、その人が山梨でセミナーを開いたとき、「へちまは溶けると骨になる」と言ったんです。何を意味しているのかまったくわからないままセミナーが終わり、家に帰りました。でも、その言葉がずっと頭に引っかかっていて、気持ち悪かったので、自分なりの「へちま」を作ろうと決めました。すべてを溶かし、骨になるまで変えてしまうような音楽を作る、というイメージでこのタイトルを選びました。

「○立」は、学校の「私立」をもじったものです。「私立」の「私（わたし）」を「ぼく」に変えたのも同じ発想で、「ぼくたち」という意味も名前に含まれています。

「撲立」には、前年に発表した「飛立」と対比させる形で、内面的には100年後の世界、そして自分自身の内側から完全に放たれる偉大な光という意味を「ぼく」に込めました。「僕」ではなく「撲」という漢字を選んだのは、今も変わらず、当時からずっと怒りを抱えていて、暴力的な印象にしたかったからです。

Q5. 歌詞には日常的な物、宇宙、死、再生、奇妙な状況などが登場します。歌詞を書くとき、明確な意味を考えていますか？ それともイメージを自由に発展させていますか？

 歌詞を書くときは、脳より先に右手が勝手に動き始めるような感覚です。完全に衝動で書いています。でも、その衝動は、相手や目の前の世界から何かを奪おうとするものではありません。自分自身の内側から生まれる衝動です。

絵を描くときも同じように衝動で描きますが、絵の場合は、どうしても色を選びながら描かなければなりません。一方、歌詞では、自分が表現したい色を最も速く使うことができます。

それは実際の色ではなく、意味を持つ想像上の色です。

だから、頭に浮かんだことを瞬間的に言葉に変えていきます。ただし、俺の歌詞には一つ残らず、はっきりとした意味があります。

「解釈は聴き手に任せます」という考え方は、俺は嫌いです。できることなら、俺が考えていることを100％そのまま感じ取ってほしいんです。

だからこそ、音楽だけでなく、絵や映像もできるだけ自分自身で作っているのだと思います。

でも、自分の考えを正確に伝えたいからといって、絵や映像でそのまま説明するわけではありません。絵や映像も、それ自体が独立した衝動から生まれなければならないと思ってます。

俺にとって創作は、常に瞬間的なものです。すべてを説明できるようになった瞬間、それは「嘘」になってしまうような気がします。

ここまで何度も「衝動」と言ってきましたが、もちろん衝動だけで作品が完成するわけではありません。

瞬間的に生まれた言葉を丁寧に並べ替えたり、全体の辻褄が合うように構成し直したりもします。初期衝動を殺さずに、自分の感覚や美意識でどこまでコントロールできるのか。そこは常に意識しています。

俺にとって歌詞を書くことは、先に意味を考えてから言葉を探すことではなく衝動から生まれた言葉の中に存在する意味を、自分の手で正確な形にしていくことなのだと思います。

いつか映画を作りたいです。音楽にできることは、すべてやりたい。とにかくエネルギーが有り余っています。本当に、何もかもやりたいんです。

Q6. Even in your darker themes, there is humor and absurdity. How important is the balance between ridiculousness and seriousness in your music?

In my lyrics, I place one or two lines that feel like a trapdoor, or phrases that clearly belong to an entirely different dimension. The coolest thing isn't joking around. There's always an aesthetic of not fooling around within the ridiculousness.

I'm conscious of something like an unusual tragedy. Maybe other people see my life as ridiculous, but that's because I'm running with complete seriousness and doing so in a stylish way. If you perceive things only on a flat plane, that's all they'll ever be.

I see music as something spherical, so anything that rises up must have another side. I'm crying here in Japan, but on the other side of the Earth, in Brazil, there's samba. My tears and the sparkling, confetti-like brilliance of samba come together inside my DAW.

When I give shape to murderous intent or loneliness, for some reason, it ends up becoming colorful. Is it real, or is it a lie? It's neither, or perhaps it doesn't matter which. I think that mystery itself is what music and lyrics are. That's what I think the seriousness of ridiculousness means. It's the idea of tears falling all the way through to the other side of the Earth, like a hole.

Q6. 暗いテーマの中にもユーモアや不条理さがあります。馬鹿馬鹿しさと真剣さのバランスは、あなたの音楽にとってどれほど重要ですか？

歌詞の中には、落とし穴のような、あるいは明らかに別の次元に属しているようなフレーズを1、2行入れています。最もかっこいいのは、ふざけていないことです。馬鹿馬鹿しさの中に、ふざけていないという美学が常にあります。そしてめずらしい悲劇のようなものも意識しています。もしかすると、他人から見れば俺の走り方が滑稽に映るかもしれません。でも、それは俺が本気で走っているからであり、粋な格好をしているから…という物事を平面的に捉えてしまえば、それだけで終わってしまいます。俺は音楽を球体のようなものだと考えています。だから、そり立っているものには必ず裏側がある。日本にいる俺は今泣いているけれど、地球の裏側のブラジルではサンバが鳴っている。俺の涙と、サンバの紙吹雪のようなキラキラした輝きが、DAWの中で一つになるんです。殺意や孤独を形にすると、なぜかカラフルになってしまう。それは本当なのか、嘘なのか。どちらでもないのかもしれないし、どちらでも構わないのかもしれません。その不思議さこそが音楽であり、歌詞なのだと思います。俺にとって、馬鹿馬鹿しさの中にある真剣さとは、そういうことです。涙が地球を突き抜けて、反対側まで落ちていく。穴のような発想です。

Q7. How did the strange journey of the loofah in “TEN NO HECHIMA FORMATION” come about? Are there deeper meanings behind themes like friendship, transformation, birth, or the loofah itself?

Around elementary and middle school, I used to play sports, especially soccer, and I enjoyed it so much that I was constantly playing. At one point, I even thought, “I don't even need to draw anymore!”

I structured the A, B, and C sections of “TEN NO HECHIMA FORMATION” as a progression from goalkeeper to DF → MF → FW → GOAL! That's what “formation” means in the title. If you listen carefully, the vocals are different in every A and B section.

Q7. 『天のへちまフォーメーション』に登場するへちまの奇妙な旅は、どのように生まれたのでしょうか？ 友情、変身、誕生、あるいはへちま自体に深い意味はありますか？

 小学生から中学生くらいの頃、サッカーをやっていた時期がありました。本当に楽しくて、「もう絵なんか描かなくてもいい！」と思うほど、ずっとサッカーをしていました。『天のへちまフォーメーション』のAメロ、Bメロ、Cメロは、ゴールキーパーからDF、MF、FW、そしてゴール！という流れで作りました。タイトルの「フォーメーション」には、そういう意味があります。よく聴くと、AメロとBメロのボーカルはすべて違っていて、ドリブルしています。

Q8. Do the images of other worlds, immortality, darkness, and light in “POPOLO DOOR” and “YAMI NO PROPELLER” belong to a shared universe, or does each song exist in its own world?

I think they belong to the same world. Yamanashi, where I live now, has a slightly unusual atmosphere, so maybe all of it could exist entirely within Yamanashi. There's Mount Fuji, too, and I love Mount Fuji. I'm conscious of ideas about life and death.

Q8. 『POPOLO DOOR』や『YAMI NO PROPELLER』に登場する異世界、不死、闇、光といったイメージは、共通する世界観に属していますか？ それとも曲ごとに独立した世界なのでしょうか？

 同じ世界に属していると思います。今住んでいる山梨には、少し普通とは違う独特の雰囲気があるので、もしかするとすべて山梨の中だけで完結してしまうようなものなのかもしれません。富士山もありますし、俺は富士山が大好きです。生と死についての考え方は意識しています。

Q9. For listeners who don't understand Japanese, what kind of experience do you want them to have through your music beyond the meaning of the lyrics?

More than anything, I want them to bathe in the light until their flesh melts. I do want them to close their eyes and listen carefully, letting the music travel from their ears all the way to the inside of their eyelids. But I also want them to listen using the brain cells they use when drawing pictures.

For example, when they're drawing or reading an incredibly detailed manga, they're using brain cells they don't normally use in everyday life. That's when I really want them to listen to FLYING DAIMYO, because it's amazing. It's energy music!

Q9. 日本語がわからないリスナーには、歌詞の意味を超えて、音楽からどのような体験をしてほしいですか？

 何よりも、肉体が溶けるまで光を浴びてほしいです。じっくり聴き、耳からまぶたの内側まで音楽を届けてほしいという気持ちもあります。でも、それと同時に、絵を描くときに働く脳細胞を使って聴いてほしいんです。

たとえば絵を描いているときや、ものすごく細かく描き込まれた漫画を読んでいるときなど、日常生活ではあまり使わない脳細胞を働かせているときに、ぜひFLYING DAIMYOを聴いてほしいです。なぜなら、すごいから。エネルギー音楽です！

3. Composition and Creative Process

Q10. When you begin creating a new song, what comes first? A guitar, noise, lyrics, or something completely different?

The first thing that happens is a miracle!! I never start from zero; I start from 100. I take completed tracks and completely mess them up inside my DAW. I mean, really, completely mess them up, and then I play everything from the beginning. Of course, it's just continuous noise, but every now and then, for one instant, a truly miraculous, incredible sound appears. Just 0.5 to 1 second. I cut out that tiny moment and start expanding it. That's how DAIMYO begins making music.

3. 作曲と創作プロセス

Q10. 新曲を作り始めるとき、最初に生まれるのは何ですか？ ギター、ノイズ、歌詞、それともまったく別のものですか？

最初に起こるのは奇跡です！！ 僕はゼロから始めるのではなく、100から始めます。完成済みのトラックをDAWに取り込み、いったん完全にぐちゃぐちゃにします。本当に、徹底的にぐちゃぐちゃにするんです。そして最初から再生します。もちろん、ずっとノイズが鳴っているだけなのですが、ほんの一瞬だけ、本当に奇跡のような、とんでもなくすごい音が現れることがあります。わずか0.5秒から1秒。その小さな瞬間だけを切り取って、そこから広げていくんです。それがダイミョウの作曲の始まり方です。

                Q.11 What influences have you taken from BOREDOMS, Kiyohiko Semba & Haniwa All-Stars, and the “Patapon 2” soundtrack?

BOREDOMS are the artists I listened to more than anyone else while forming who I am. Throughout my youth, I listened to BOREDOMS constantly, as naturally as breathing. It was “understanding” on the other side of shock.

I listened to Kiyohiko Semba & Haniwa All-Stars constantly while making BOKURITSU, and absolutely everything was interesting. The lyrics, rhythms, developments, number of sounds—everything kept betraying my expectations in such fun and beautiful ways, and it encouraged me throughout the production.

I also discovered Patapon 2 while making BOKURITSU and listened to its soundtrack constantly. I felt something like, “So it's possible to make something this bright, this overwhelmingly and violently bright, and this tribal!” I wanted to do that, too. I especially imitated the approach to the vocals over and over again.

What all of them have in common is brightness, above all else. Not sparkle or glitter, but something like the courage to genuinely blow away depression. They properly resolve things even when something bad happens. They don't try to explain their brightness—or rather, they're simply acting on impulse, so it feels like nonfiction, and it moves me directly.

Q11. BOREDOMS、仙波清彦＆はにわオールスターズ、『パタポン2』のサウンドトラックから、それぞれどのような影響を受けましたか？

BOREDOMSは、自分という人間を形成する過程で、誰よりも多く聴いてきたアーティストです。青春時代は、呼吸をするのと同じくらい自然に、ずっとBOREDOMSを聴いていました。衝撃の向こう側にある「納得」でした。

仙波清彦＆はにわオールスターズは、『撲立』を制作している間、ひたすら聴いていました。本当にすべてが面白かったんです。歌詞、リズム、展開、音の数、何もかもが楽しく、美しい形で期待を裏切り続けてくれて、制作中の励みになりました。

『パタポン2』にも『撲立』を作っているときに出会い、サウンドトラックをずっと聴いていました。「こんなにも圧倒的で、暴力的で、民族的でありながら、ここまで明るくできるんだ！」という感覚があり、自分もそういうことをやりたいと思いました。特にボーカルのアプローチは何度も真似しました。

これらすべてに共通しているのは、何よりも明るさです。ただキラキラしているという意味ではなく、憂鬱を本当に吹き飛ばしてしまう勇気のようなものです。嫌なことがあっても、きちんと解決してくれる。彼らはその明るさを説明しようとしません。というより、ただ衝動のままにやっているので、まるでノンフィクション、そこがグッときます。

Q12. How much of your creative process is planned, and how much comes from experimentation? Do your songs ever end up completely different from what you originally imagined?

It's not planned at all, and I don't really imagine much at the beginning, either. I just keep adding and removing sounds impulsively, over and over and over again. It's during the process that I start planning different directions and imagining or fantasizing about sounds.

Recently, because I can make my own music videos, I'll sometimes shoot a video before the song is even finished, then compose the song or write the lyrics while editing the footage.

I end up spending an enormous amount of time on everything. I absolutely refuse to release anything until I'm satisfied, so even after I think, “Finished!” I'll often leave it alone for about a month and then, for some reason, start working on it again. I just keep pushing everything as far as possible.

There are about five moments in a single song when I think, “Finished!” I don't know if that's a lot, but after the first “Finished!” I bounce the song more than 50 times. Actually, maybe that's normal.

Q12. 制作過程はどれくらい計画的で、どれくらい実験から生まれるのでしょうか？ 最初の想像とはまったく違う曲になることもありますか？

まったく計画的ではありませんし、最初の段階ではあまり何も想像していません。ただ衝動的に音を入れたり消したりすることを、何度も何度も繰り返しています。だから、制作の途中でやっと、さまざまな方向性を考えたり、音を想像したり、妄想したりするんです。最近は自分でミュージックビデオを作れるようになったので、曲が完成する前に映像を撮影し、その映像を編集しながら作曲したり歌詞を書いたりすることもあります。とにかく、ものすごく時間がかかります。自分が納得するまでは絶対に発表したくないので、「完成！」と思っても、1か月ほど寝かせてから、なぜかまた制作を始めることもよくあります。とにかく限界まで突き詰めるんです。1曲の中で「完成！」と思う瞬間が5回くらいあります。それが多いのかはわかりませんが、最初に「完成！」と思ってから、50回以上バウンスします。いや、もしかしたら普通なのかもしれません。

Q13. Would you describe your music as “songs,” “sound experiments,” or “stories”? Or does it belong to none of those categories?

It's a “special finishing move.” The ultimate special finishing move, something close to a song. I want someone listening to my music to imagine it as a weapon that smashes apart all the unpleasant things and hardships in their lives, with the sensation of killing everyone. Not experimentation, but execution.

Q13. 自分の音楽を「楽曲」「音の実験」「物語」のどれに近いと考えますか？ それとも、どれにも当てはまりませんか？

「必殺技」です。楽曲に近い、究極の必殺技です。僕の音楽を聴いた人が、それぞれの人生にある嫌なことや困難をすべて打ち砕く武器として想像してほしい。全員を殺してしまうような感覚を持ってほしいんです。実験ではなく、実行です。

4. Anger, Inspiration, and Personal Expression

Q14. You've mentioned murderous intent, intense everyday anger, and people you hate as driving forces behind your creativity. How do you transform those emotions into music? Does creating help you confront them?

 Almost every day, I wake up from a dream in which either I kill an old man I absolutely hate or he kills me. It doesn't always go as far as killing, but I often have hostile dreams.

If I could punch someone I hate, I'd want to punch them, and if I could say something to them, I'd want to say it. But if I actually punched someone, making music would lose its meaning, so I often end up punching myself in the head or face. Sometimes I use a water bottle.

But it really does make me feel like I've punched the person I hate, so I get an adrenaline rush from it. I also understand how much pain the person I punched would feel. It really, really hurts, though.

I go home carrying that pain and make music. Rather than releasing pent-up frustration, it feels closer to stopping the bleeding caused by something running out of control.

That frustration and murderous intent get output as bars (MIDI). On the DAW screen, it even feels like I'm covering my wounds with countless bandages shaped like MIDI notes. Every single time, murderous intent wells up inside me, and I can't help it.

But resolving those feelings could actually be incredibly easy. I could simply experience the shock of a masterpiece of music or manga created by someone else and release those feelings. Just like that.

But when I create, my own murderous intent takes shape. It has to take shape. I have to make music. Create, create, and keep creating.

4. 怒り、インスピレーション、個人的表現

Q14. あなたは創作の原動力として、殺意、日常の激しい怒り、嫌いな人間を挙げています。それらの感情をどのように音楽へ変換していますか？ 創作することは、その感情と向き合う助けになりますか？

 ほとんど毎日、大嫌いなおっさんを自分が殺すか、逆に自分が殺されるかという夢を見て目を覚まします。必ずしも殺すところまでいくわけではありませんが、敵意に満ちた夢をよく見ます。嫌いな相手を殴れるなら殴りたいし、何か言えるなら言いたい。でも、実際に誰かを殴ってしまったら、音楽を作る意味がなくなってしまうので、自分の頭や顔を殴ってしまうことがよくあります。水筒を使うこともあります。あまりよくないことはわかってるけど、でも、それによって本当に嫌いな相手を殴ったような気持ちになれるので、アドレナリンが出るんです。殴られた相手がどれほど痛い思いをするのかも理解できます。本当に、ものすごく痛いですけど。その痛みを抱えたまま家に帰り、音楽を作ります。溜まった鬱憤をそこで発散するというより、制御不能になったものが引き起こした出血を止める感覚に近いです。その鬱憤や殺意が、棒状のMIDIデータとして出力されます。DAWの画面では、自分の傷にMIDIノートの形をした絆創膏を何枚も何枚も貼り付けているようにさえ感じます。毎回、殺意が湧き上がってきて、どうしようもないんです。でも、そうした感情を解消すること自体は、実はとても簡単かもしれません。誰かが作った名作音楽や漫画に触れ、その衝撃を受けるだけで、感情を発散することはできるんです。簡単に。でも、自分で創作すると、自分自身の殺意が形になります。形にならなければいけないんです。音楽を作らなければならない。作って、作って、ひたすら作り続けるんです。生きていくためには作るしかない。

Q15. Is music born from anger different from music born from happiness, humor, or curiosity? Can those emotions coexist within a single song?

I think they're different, and I think their goals are different, too. But I also think they're two sides of the same coin. I think anger and curiosity can coexist, and when they do, it's incredibly interesting.

I don't express anger directly through words like “Die” or “I'll kill you.” Instead, I amplify it with the sensation of colorfully knocking everything down with a “YEAH!” Murderous intent saves a complete stranger. It's neither empathy nor fighting together, but transformation.

I think it's nonsense if murderous intent is simply received as murderous intent. My goal is to be able to sing “YEAH!” with genuine purity, in the truest sense.

Q15. 怒りから生まれる音楽は、幸福感、ユーモア、好奇心から生まれる音楽とは違いますか？ それらの感情が一つの曲の中で共存することはありますか？

違うと思いますし、目指すゴールも違うと思います。でも、同時に表裏一体でもあると思います。怒りと好奇心が共存することはあると思います。僕は怒りを「死ね」や「殺す」といった言葉で直接表現することはしません。その代わり、「イェーイ！」という掛け声で、すべてをカラフルにぶっ倒すような感覚に変えて、勢いを加えています。殺意が、まったく知らない他人を救う。それは共感でも共闘でもなく、返信です。殺意を殺意のまま受け取られるのは、ナンセンスだと思います。そして、本当の意味で純粋な「イェーイ！」を歌えるようになることが、僕の目標です。

   

Q16. What inspires you outside of music? Are there films, games, paintings, books, places, or everyday experiences that have influenced you?

I often reread a book called Band of the Night by Ramo Nakajima. I read it constantly while making BOKURITSU, and I still read it now. It's completely insane and unbelievably entertaining.

I also recently went to see Ichi the Killer in 4K, and it was so incredibly entertaining that I was trembling. I went to see it about twice. I think all of humanity should watch it.

Q16. 音楽以外では、どんなものからインスピレーションを受けますか？ 映画、ゲーム、絵画、本、場所、日常の出来事など、影響を受けたものはありますか？

中島らもの『バンド・オブ・ザ・ナイト』という本を、何度も読み返しています。『撲立』を制作している間も、ずっと読んでいましたし、今でも読んでいます。完全にぶっ飛んでいて、信じられないくらい面白いです。最近は4K上映された『殺し屋1』も観に行きました。震えるほど面白くて、2回くらい観に行きました。全人類が観るべきだと思います。

5. Instruments, Sound, and Music Production

Q17. Do you pursue a particular guitar tone, or is the guitar more of a starting point for processing sounds into something unexpected? What equipment or techniques are important to you?

I do sometimes come up with riffs on the guitar and build songs from them. But I don't think there's any particularly important equipment. I mostly use Logic's default effects and layer an enormous number of them together.

Q18. What fascinates you about noise? Is there a boundary between noise and music, or do you reject that distinction altogether?

I'm not particularly fascinated by something just because it's called noise, but if we assume that noise means harsh noise, I think noise is the “result” of music. To me, that result is “impulse,” and I think it's a continuous succession of those instantaneous moments, going BABABA.

At first glance, it feels like one huge GRAAAH, but it's actually a series of individual moments of energy. You can even see them. I don't think it's the noise itself that's being played. I don't consider what people commonly call noise to actually be noise.

I don't think there's a boundary between music and noise. Perhaps noise itself is the boundary of music. If I can create something that spills beyond that boundary, I'll be breaking through energy itself, and that's exactly what I want to do. Beyond noise.

Q19. How do you decide when a song or sound is finished? Do you keep experimenting until the very end, or do you know when it's time to stop?

 have absolutely no idea, haha. I do everything alone, and I don't make music while letting other people listen and getting their opinions, so it's difficult.

I just keep creating until the very end, keep creating until I'm satisfied, push everything as far as I possibly can, and then, surprisingly, I end up finishing with something like, “Well, I guess that'll do.” I think that's why I still have such a long way to go.

5. 楽器、サウンド、音楽制作

Q17. ギターでは特定の音色を追求していますか？ それとも、予想外の音に加工するための出発点として使っていますか？ 重要な機材やテクニックは何ですか？

 ぐちゃぐちゃにした後、ギターでリフを考え、そこから作ることもあります。でも、特別に重要な機材というのは、あまりないと思います……。基本的にはLogicに最初から入っているエフェクトを使って、それをものすごい数だけ重ねています。

Q18. ノイズのどこに魅力を感じますか？ ノイズと音楽の間には境界線がありますか？ それとも、その区別自体を否定していますか？

 単に「ノイズ」と呼ばれているからといって、それ自体に特別な魅力を感じるわけではありません。でも、ここでいうノイズをハーシュノイズだと仮定するなら、ノイズとは音楽の「結果」だと思います。僕にとって、その結果は「衝動」です。そして、その瞬間が「バババッ」と連続しているのだと思います。一見すると、大きな「グワーッ」という一つの音に感じられますが、実際には、エネルギーの一瞬一瞬が連続しているんです。それは膨大な内容すぎて、目で見ることさえできます。ノイズそのものを演奏しているわけではないのだと思います。一般的にノイズと呼ばれているものを、僕はノイズだとは思っていません。音楽とノイズの間に境界線はないと思います。もしかすると、ノイズこそが音楽の境界線そのものなのかもしれません。その境界からはみ出すものを作れたなら、エネルギーそのものを突破することになる。だからこそ、それをやりたいんです。ノイズの先へ。

Q19. 曲や音が完成したと、どのように判断しますか？ 最後まで実験を続けますか？ それとも、手を加えるのをやめるタイミングがわかりますか？

まったくわかりません（笑）。全部一人でやっていますし、誰かに聴かせて意見をもらいながら作っているわけでもないので、難しいです。最後までひたすら作り続けて、納得するまで作り続けて、限界まで突き詰めて、最後は意外にも「まあ、こんなもんかな」という感じで終わってしまいます。だからこそ、自分にはまだまだ先があるのだと思います。

6. Genre, Listeners, and Artistic Identity

Q20. Is genre classification important to you, or would you prefer people to listen to your music without preconceptions?

 I don't really think about that much. People can listen however they like. I feel like there are plenty of interesting things that happen precisely because people have preconceptions. If I'm going to race through the times, then I'll value genres and preconceptions, too, and I think they're necessary.

Q21. Are there any Japanese experimental music artists or scenes you feel connected to? Are there any Japanese artists you'd like international listeners to know more about?

 There might not be many people doing everything alone in the same way I do. I feel like I haven't really merged with the different scenes yet, so I want to keep creating those connections and participating in them.

There's a Japanese hardcore band called “ANALSKULLFUCK,” and they're incredibly cool. Their speed and silhouette are wonderful; they're truly amazing. The album they released last year was made available for streaming again, and I've been listening to it constantly. I'm a huge fan.

6. ジャンル、リスナー、アーティストとしてのアイデンティティ

Q20. ジャンルによる分類はあなたにとって重要ですか？ それとも、先入観を持たずに音楽を聴いてほしいですか？

そのことについては、あまり考えていません。好きなように聴いてもらえればいいです。先入観があるからこそ面白くなることも、たくさんある気がします。時代を駆け抜けていくのであれば、ジャンルも先入観も大切にしますし、必要なものだと思います。

Q21. つながりを感じる日本の実験音楽のアーティストやシーンはありますか？ また、海外のリスナーにもっと知ってほしい日本のアーティストはいますか？

 大名のような音楽をすべてを一人でやっている人はあまり多くないかもしれません。自分とそれぞれのシーンが、まだあまり合流していないように感じるので、これからもっとつながりを作り、積極的に参加していきたいです。日本のハードコアバンドに「ANALSKULLFUCK」というバンドがいるのですが、ものすごくかっこいいです。スピードもシルエットも素晴らしく、本当にすごいバンドです。去年発表されたアルバムが再び配信されるようになり、それをずっと聴いています。大ファンです。

Q22. When creating music, do you think about the audience's reaction, or is satisfying your own creative impulses the highest priority, regardless of how others interpret it?

I both think about them and don't think about them. I dislike both the idea of other people's interpretations and the idea of satisfying my own desires. I believe that as long as you have the ultimate “trump card,” you can absolutely break through everything.

Q22. 音楽を作るとき、観客の反応を考えますか？ それとも、他人がどう解釈するかに関係なく、自分の創作的な衝動を満たすことが最優先ですか？

どちらも考えていますし、どちらも考えていません。他人の解釈という考え方も、自分自身の欲求を満たすという考え方も、どちらも嫌いです。究極の「切り札」さえ持っていれば、絶対にすべてを突破できると信じています。絶対に誰にも渡さない俺にしかできない『切り札』

7. Live Performances and the Future

Q23. What are FLYING DAIMYO's live performances like? Do you recreate the recorded music, or does it become even more chaotic and unpredictable onstage?

For now, I perform live alone. To be honest, I've only just started performing live, so I'm still experimenting with different approaches. I sing while moving around pretty wildly and using things like voice changers.

I want the performances to become chaotic and unpredictable. FLYING DAIMYO isn't necessarily a solo project; I'm just working alone for now. Someday, I want to perform with a large group of people, perhaps as a band, or create an incredibly chaotic situation like the final scene of Jazz Daimyo.

7. ライブと未来

Q23. FLYING DAIMYOのライブはどのようなものですか？ 録音された音源を再現しますか？ それとも、ステージ上ではさらに混沌として予測不可能なものになりますか？

 今のところ、ライブは一人で行っています。正直なところ、ライブを始めたばかりなので、まだいろいろな方法を試している段階です。かなり激しく動き回りながら、ボイスチェンジャーなどを使って歌っています。ライブを混沌として予測不可能なものにしたいという気持ちはあります。それに、FLYING DAIMYOは必ずしもソロプロジェクトというわけではありません（今はたまたま一人でやっているだけです）。だから、いつか大勢の人たちと一緒に演奏したいです。バンドという形かもしれませんし、映画『ジャズ大名』のラストシーンのような、とてつもなく混沌とした状況を作り出したいです。本物の動物の骨とかを叩いてみたいライブで。

Q24. Is there anything you haven't tried yet that you'd like to experiment with in the future? Sounds, instruments, collaborations, or new ideas?

I have absolutely no new ideas. I just want to become capable of controlling this hopeless energy that feels like murderous intent.

Q24. 今後、まだ挑戦していないことで実験してみたいものはありますか？ 音、楽器、コラボレーション、新しいアイデアなどを教えてください。

 新しいアイデアはまったくありません。ただ、このどうしようもない、とてつもない殺意のようなエネルギーを、自分でコントロールできるようになりたいだけです。中途半端なおっさんらをぶち殺す音楽を作りたい。作っている。

     

8. Fun Questions and Closing

Q25-1. If your music could become the soundtrack to a video game, which game would you choose?

If it's an existing game, Rez!! And also, just give me a spot in Splatoon, please.

Q25-2. What's the strangest sound you've ever wanted to use in a song?

In a song called “ATARI‼︎,” there's a part where I say, “Propeller on!” and a flanger effect kicks in, imitating the sound of a propeller. But further in the background, there's this “fwaaaan” sound, almost like the call of some kind of bird at night...??

8. 楽しい質問と締めくくり

Q25-1. あなたの音楽がゲームのサウンドトラックになるなら、どのゲームを選びますか？

既存のゲームなら『Rez』です！！ あと、普通に『スプラトゥーン』もお願いします。

Q25-2. これまで曲に使いたいと思った中で、最も奇妙な音は何ですか？

『ATARI‼︎』という曲の中に、「プロペラオン！」と言う部分があって、そのあとにプロペラの音を真似したフランジャーの音が鳴るのですが、そのさらに後ろのほうで「ふぁ〜〜ん」という音が鳴っているんです。夜に鳴いている、何かの鳥の声のような……？？

Q25-3. If you could collaborate with any artist, living or dead, who would you choose?

Arca, John Zorn, Juçara Marçal, SWEET STEADY, and, if they were still alive, Hideki Yoshimura and Akemi Edo.

Q25-3. 生死を問わず、どんなアーティストとでもコラボレーションできるなら、誰を選びますか？

アルカ、ジョン・ゾーン、

Juçara Marçal、SWEET STEADY、そして、もし生きていたなら吉村秀樹と江戸アケミです。

Final Question

Q26. After someone has listened carefully to “BOKURITSU HECHIMA NO ONGAKU” from beginning to end, what do you ultimately want them to feel and take away from it?

More than anything, I want them to feel energized. Energized enough to cure at least one illness. “BOKURITSU” is everything I was at 23, when I created it, so I want people to take all of me home with them. And everything I am is “THE MADNESS OF LIGHT”!!!

最後の質問

Q26. 『撲立 へちまの音楽』を最初から最後までじっくり聴いた人に、最終的に何を感じ、何を持ち帰ってほしいですか？

何よりも、元気になってほしいです。病気が一つくらい治ってしまうほどに。『撲立』は、制作当時23歳だった俺のすべてです。だから、僕のすべてを持ち帰ってほしい。俺のすべてとは「光の狂気」なのです！！！

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